arvelige repræsenterer instruktionsdebuten for Ari Aster, der tidligere har instrueret seks kortfilm. Lige siden arvelige havde premiere på Sundance Film Festival i januar 2018, har kritikere sammenlignet arvelige til ikoniske film som Rosemary's Baby , The Shining og stemplet Aster som auteur.

Det følgende interview med Aster blev gennemført via e-mail i den første uge af april.  arvelige åbner i biograferne den 8. juni.

DG: Hvad var tilblivelsen af, inspirationen til, Arvelig, og hvad er betydningen af ​​filmens titel?

AA: Jeg ønskede at lave en seriøs meditation over sorg og traumer, der gradvist fordyber sig i et mareridt – sådan som livet kan føles som et mareridt, når katastrofen rammer. Den sande betydning af titlen bør ikke gå op for seeren før filmens slutning, men det er tilstrækkeligt at sige, at arvelige beskæftiger sig primært med det lumske i familiebånd. I løbet af filmen bliver det mere og mere klart, at denne familie ikke har nogen fri vilje; deres skæbne er gået i arv til dem, og det er en arv, som de ikke har noget håb om at ryste.

DG: Hvilke temaer ville du udforske med denne film?

AA: Der er masser af film om tragedier, der bringer mennesker sammen og styrker bånd. Jeg ville lave en film om alle de måder, hvorpå sorg kan rive mennesker fra hinanden, og hvordan traumer totalt kan transformere en person – og ikke nødvendigvis til det bedre! Hereditary er en buffet af worst-case scenarier, der fører til en grim, håbløs afslutning. Nu mangler jeg bare at undersøge, hvorfor jeg ville gøre alt det.

DG: Hvad var den stilistiske, visuelle strategi, som du og din filmfotograf diskuterede inden optagelsernes start, og hvordan vil du beskrive filmens udseende og tone?

AA: Nå, jeg har arbejdet med min DP, Pawel Pogorzelski, siden jeg mødte ham på AFI, og vi har udviklet en fantastisk stenografi. Vi taler det samme sprog, i en sådan grad, at vi bliver ret sure på hinanden ved selve antydningen af ​​en uenighed eller misforståelse. Den måde, jeg arbejder på – og jeg er sikker på, at der er bedre måder at arbejde på – er, at jeg altid starter med at sammensætte en skudliste, og jeg taler ikke med nogen i besætningen, før den skudliste er færdig. Derfra bliver spørgsmål om udførelse, belysning, produktionsdesign osv. centrale. Men først skal enhver afdelingsleder kunne se filmen i hovedet. I dette tilfælde ville kameraet være meget flydende, løsrevet, observerende – indtrængende. Tonen er svær at tale til ... men jeg kan sige, at jeg ofte sagde til besætningen, at filmen skulle føles ond. Vi er sammen med familien, og vi er sammen med dem i vores uvidenhed om, hvad der virkelig sker, men der burde også være en følelse af, at vi ser dem fra et mere vidende, sadistisk perspektiv.

DG: Hvilken genrepåvirkning har du bragt til denne film, og hvad tror du, publikum vil finde mest overbevisende og skræmmende ved denne film?

AA: Det var vigtigt for mig, at vi deltog i familiedramaet, før vi deltog i rædselselementerne. Filmen skulle stå alene som en hjemlig tragedie, før den kunne fungere som en skræmmende film. Så de fleste af de referencer, jeg gav til besætningen, var ikke gyserfilm. Mike Leigh var en – især Hemmeligheder og løgne , Alt eller intet. Vi talte også seriøst om The Ice Storm , I soveværelset, som har en vending ved 30-minutters mærket, der ikke er så forskellig fra den i Hereditary. Bergman er en af ​​mine helte, og Cries and Whispers var noget, jeg tænkte på, sammen med Autumn Sonata for den måde, den handlede om mor-datter-forholdet på. De gyserfilm, vi diskuterede, var for det meste fra 60'erne og 70'erne. Rosemary's Baby var en åbenlys prøvesten. Se ikke nu er en stor en. Nicholas Roeg var generelt stor for mig. Jeg elsker Jack Clayton's The Innocents. Og så er der de store japanske gyserfilm – Ugetsu, Onibaba, Passionens imperium, waidan, kuroneko...

DG: Hvordan vil du beskrive den familiedynamik, der eksisterer i Graham-familien, når vi møder dem første gang i filmen, og hvordan vil du beskrive den rejse, de tager gennem filmen?

AA: Grahams er allerede isoleret fra hinanden, når vi møder dem. Luften skulle være tyk med en fyldt, ikke-anerkendt historie. Derfra opstår ting, der kun tjener til at fremmedgøre dem yderligere, og i slutningen af ​​filmen bliver hvert medlem af familien totalt fremmed – hvis ikke en tilsyneladende dobbeltgænger af sig selv – for den anden. For at referere til Freuds essay om det uhyggelige, hjemmet i arvelige bliver resolut uhjemlig.

DG: Hvordan vil du beskrive karakteren af ​​den ondsindede tilstedeværelse, der plager Graham-familien i filmen, og hvordan reagerer de på dette?

AA: Der er mange giftige påvirkninger på spil. Skyld, vrede, bebrejdelse, mistillid ... og så er der også en dæmon.

DG: Hvordan vil du beskrive karakteren af ​​det forhold, der eksisterer, både i liv og død, mellem Charlie og hendes bedstemor, Ellen?

AA: At forklare dette ville være at forråde nogle ret store afsløringer i filmen. Jeg vil afholde mig for at undgå at ødelægge!

DG: Hvad var den største udfordring, du stod over for under optagelserne?

AA: Vi byggede hele husets indre på en lydscene. Alt inde i huset blev designet og bygget fra bunden. Ud over dette havde vi den ekstra udfordring at skulle skabe en miniaturekopi af huset (blandt mange andre miniaturer). Det betød, at vi var nødt til at designe alle elementer i hjemmet i god tid før optagelserne. Det betyder ikke bare, at vi skulle tage stilling til husets indretning og rummenes dimensioner, hvilket faktisk er det nemmeste for miniaturisten at kopiere; det betød, at vi meget tidligt var nødt til at træffe engagerede beslutninger vedrørende sætdressingen. Så vi havde brug for at vide, hvad møblerne ville være, hvad tapetet ville være, hvilke planter vi ville have i hvert værelse, hvilke gardiner vi ville sætte over vinduet, og så videre og så videre. Vi skød alt, hvad der involverede dukkehusene i vores sidste produktionsuge, og det var så stramt, at vi havde miniaturer, der blev sendt ind på netop de dage, de blev skudt.

DG: Hvad bragte Utah, dit optagelsessted, til denne film, som var enestående fra andre optagelsessteder, som du måske har valgt, og hvordan ville du beskrive baggrunden, rammerne for filmen?

AA: Nå, vi tog oprindeligt til Utah, fordi vi var i stand til at få mere ud af vores budget derovre. Den oprindelige plan var også at lave en vinterfilm og få huset til at blive snebundet. Når det er sagt, krævede planlægningen, at vi fotograferede om sommeren, og jeg kunne i sidste ende ikke have været mere tilfreds med de landskaber, som Utah leverede. Jeg kan nu ikke forestille mig, at filmen ser anderledes ud. Jeg er også nødt til at sige, at vi havde det mest utrolige hold på denne film – fra kunstafdelingen til kameraafdelingen var der ikke et eneste svagt led. Jeg vil anbefale Utah til alle, der ønsker at lave en film.

DG: Hvad er din yndlingsscene eller sekvens i filmen?

AA: Nå, i håbet om at undgå en spoiler og med fare for at blive alt for kryptisk: der er en langvarig montage af Toni Collette, der græder ukontrolleret (i løbet af en uge), og jeg er ret tilfreds med, hvordan det blev.

DG: Da jeg læste om Ann Dowds karakter, Joan, tænkte jeg straks på Billie Whitelaw som Mrs. Baylock i The Omen. Hvordan vil du beskrive Joans rolle i filmen?

AA: Hendes karakter er bestemt i den tradition. For den sags skyld er hun også i traditionen med karakterer som Castevets i Rosemary's Baby eller Hilary Masons blinde clairvoyant i Se ikke nu. Hun stammer fra en pessimistisk skepsis over for den altruistiske nabo, der tilsyneladende har dine interesser på hjerte. Bekvemt kommer hun også fra en tradition i familiedramaer med velvillige outsidere, der træder ind for at give afløb for et ellers isoleret medlem af en dysfunktionel enhed. Judd Hirsch i Ordinary People er et eksempel.

DG: I betragtning af den overvældende positive reaktion, filmen har modtaget indtil videre, hvilket er mærkeligt for en film, der ikke engang er blevet formelt udgivet endnu, føles det som om filmen allerede har opnået status som klassiker, før det meste af verden har haft en chance for at se det. Hvad har du oplevet i forhold til publikumsreaktion under de visninger, du hidtil har deltaget i, og hvordan vil du beskrive den reaktion, du har fået på filmen indtil videre?

AA: Reaktionerne har været meget spændende. For at være ærlig var jeg i starten bare meget lettet over, at folk ikke syntes, det var et kæmpe stykke lort. Men du lærer hurtigt, at det er en unikt kvantificerbar ting, uanset om din skræmmende film virker eller ej. Det er som at lave en komedie. Enten griner folk, eller også gør de det ikke. Men jeg kan sige, at der ikke er nogen følelse af at have et publikum, der i fællesskab skriger af noget, man har lavet. Det er en fantastisk høj dopamin.

DG: Da dette er din første spillefilm, hvordan vil du så beskrive den rejse, du har taget i løbet af det sidste årti?

AA: Jeg har skrevet manuskripter, siden jeg var tolv år gammel. Jeg gik på filmskole på College of Santa Fe, før jeg studerede instruktør på American Film Institute. Efter at have afsluttet AFI lavede jeg snesevis af kortfilm, og da jeg kom til at skrive arvelige, jeg havde ti andre feature-scripts klar til at gå (hvoraf to var på vej til at blive lavet før arvelige). Det har været en lang vej, men jeg kunne ikke være blevet velsignet med større ressourcer eller stærkere samarbejdspartnere end dem på arvelige. Jeg regner mig selv meget heldig.

DG: For en, der ikke har set noget af dit tidligere arbejde, dine kortfilm, hvad vil du sige er dit kendetegn, din signatur, som instruktør, og hvad identificerer arvelige som værende en Ari Aster-film?

AA: Jeg kan huske, at min dygtige lærer på AFI, Peter Markham, sagde, at filmskabelse er (eller burde være) at lave ballade. Jeg er helt enig i den holdning. Arvelige og alle mine kortfilm (og næsten alle de film, som jeg har tænkt mig at lave herfra) er håbefulde bidrag til den tradition for fortræd.

DG: Hvorfor tror du arvelige skiller sig ud fra legionen af ​​andre genrefilm på markedet?

AA: Jeg føler ikke, det er mit sted at tale med det. Jeg vil sige, at hvis filmen virker, tror jeg, det er, fordi jeg gjorde det til min mission altid at ære karaktererne før noget andet. Der er også den meget generøse mængde fuld-frontal nøgenhed, som jeg sørgede for at inkludere.

DG: Når man ser tilbage på hele oplevelsen af ​​at lave arvelige, er der et minde, der skiller sig ud som værende mest sigende om hele denne oplevelse for dig, når du ser tilbage på den rejse, du har taget med filmen?

AA: Jeg kan ikke komme i tanke om et bestemt minde. Jeg kan sige, at der var flere øjeblikke under produktionen, hvor jeg pludselig huskede, at jeg faktisk lavede en film. Det har altid været min drøm. Så jeg ville prøve at huske at mærke mine fødder på jorden og sætte pris på det. Det var de bedste øjeblikke.